Felix Kunze braucht eigentlich keine Einführung: Der in Deutschland geborene, in England aufgewachsene Fotograf aus New York City ist eine echte Licht-Ikone. Seine Fotokurse haben mit ihrer Leichtigkeit und Klarheit im Verständnis von Licht die Branche auf den Kopf gestellt. Heute sprechen wir mit ihm über die Branche, über Lektionen, die er gelernt hat, und über wertvolle Ratschläge für das Wachstum als Fotograf – auf jedem Niveau.
Als Porträtfotograf versuche ich, mich auf die Stärke, Energie, Ambition und Standhaftigkeit meines Motivs zu konzentrieren. Unbewusst zieht es mich dazu, genau diese Eigenschaften in meiner Arbeit sichtbar zu machen. Ich glaube nicht, dass man seinen Stil im Voraus festlegen kann; er entsteht während des Fotografierens.
Jede Entscheidung, die du triffst, spiegelt wider, was du magst und was nicht. Dein Stil ist das Ergebnis von Tausenden und Abertausenden Entscheidungen und Fotografien.
Felix erinnert uns daran, dass wir alle irgendwo anfangen und dass wir die wirtschaftlichen Chancen, die sich uns bieten, nutzen sollten. Außerdem rät er dringend dazu, immer nach einer Möglichkeit zu suchen, in jeder Aufnahme einen eigenen kreativen Fingerabdruck zu hinterlassen.Die Bandbreite dessen, was ich am Anfang fotografiert habe, war sehr groß: Musik, Editorials, Fashion Weeks und Events. Aber ich habe festgestellt, dass ich mit gut ausgeleuchteten Porträts interessanter Menschen am meisten Geld verdienen konnte.
Wirtschaftlich war das am sinnvollsten, aber auch kreativ ergab es Sinn, weil es mir wirklich Spaß machte. Ich bin außerdem von Natur aus nicht besonders wettbewerbsorientiert, deshalb wollte ich etwas machen, mit dem ich mich von anderen Fotografen abheben kann, ohne dafür andere herabsetzen zu müssen.
Wir baten Felix, an seine Anfänge in der Fotografie zurückzudenken und uns ein wenig Einblick in seine ersten Shootings zu geben, die seinen fotografischen Weg verändert haben.Meine Mutter hat mir tatsächlich Backstage-Zugang zu einem Konzert von Juliet Lewis verschafft, aber ich hatte schreckliche Angst. Juliet war voller Energie und sehr direkt, und es war mein erstes Mal, dass ich künstliches Licht einsetzen musste; also richtete ich meinen Blitz einfach gegen die rote Decke des KoKo in London und hoffte auf das Beste.
Kurz danach bekam ich über den Fotografen Thorsten Overgaard einen Contributor-Vertrag mit Getty Images. Ich fing an, viele Musikshows zu fotografieren, und genau das ließ mich erkennen, dass ich Musik nicht beruflich fotografieren wollte.
Kurz danach bekam ich über den Fotografen Thorsten Overgaard einen Contributor-Vertrag mit Getty Images. Ich fing an, viele Musikshows zu fotografieren, und genau das ließ mich erkennen, dass ich Musik nicht beruflich fotografieren wollte.Im Fotograben merkt man schnell, dass die Chancen gegen einen stehen, wenn man etwas Einzigartiges schaffen will, und dass die Aussichten, damit gutes Geld zu verdienen, minimal sind.
Ich bekam mehr Aufträge über Getty und drängte meinen Editor, mir mehr Porträtaufnahmen zu ermöglichen. Schließlich erhielt ich Reportage-Aufträge und konnte gleichzeitig Porträts machen. Das führte schließlich dazu, dass ich Kunden wie die Architektin Zaha Hadid, Swarovski und Adidas fotografierte – neben anderen.
Ich fühlte mich einfach immer zu Porträts hingezogen, und meine Persönlichkeit eignete sich sehr gut dafür, sie einzufangen. Außerdem assistierte ich nebenbei, und das war ein enorm wichtiger Teil meines Lernens über die Fotoindustrie und über Licht. Zwischen Fotografieren, Assistieren, dem Lernen von Licht und dem Aufbau von Beziehungen zu anderen Fotografen in der Branche bin ich am stärksten gewachsen.
Nachdem ich eine Zeit lang in England gelebt hatte, wusste ich, dass New York mein nächster Schritt sein würde – und acht Jahre später bin ich immer noch hier!
Als ich in NYC ankam, konzentrierte ich mich darauf, einen Weg zu finden, mich von der Masse abzuheben und gleichzeitig den Produktionswert meiner Shootings zu steigern.Für mich ist das nicht Kreativität; Kreativität liegt darin, wie du deine Motive auswählst und darstellst und wie du die Probleme löst, die beim Fotografieren entstehen. Kreativität liegt im Problemlösen, nicht in der Vorausplanung.
Ich glaube, mein Erfolg beim guten Lichtsetzen in kleinen Räumen kommt daher, dass ich in meiner ersten Einzimmerwohnung in NYC gelebt und fotografiert habe; sie hatte niedrige Decken und alles andere auch – und ich bin dadurch ein besserer Fotograf geworden.
Damals habe ich gelernt, ein Shooting immer so wirken zu lassen, als hätte es ein höheres Budget, als tatsächlich vorhanden war. Wie willst du von Kunden höhere Budgets bekommen, wenn du ihnen nicht zeigen kannst, was du leisten kannst?Kunden buchen dich normalerweise nicht für Arbeiten, die du noch nie gemacht hast.
Was mir das ELB 500 ermöglicht hat, ist, an entlegene Orte zu reisen und trotzdem überall denselben Produktionswert zu haben. Ich habe meine Rotalux Deep Octa 100 cm mit nach Mongolei, Ägypten, Südafrika, Kanada, Europa, Island, Schottland und Indien genommen und plane, sie künftig noch in viele weitere Länder mitzunehmen.
Sie war revolutionär für meine Arbeit.
Ich finde es auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass du zwar Produktionswert in deine Shootings bringen willst, aber nicht in die Falle tappen musst, zu glauben, du bräuchtest eine obszöne Menge an Lichtern in deinen Studio-Setups. Es gibt Menschen mit so vielen Regeln – dass du mehrere Lichter einsetzen und jedes kleinste Detail darüber verstehen musst, um großartige Arbeit zu schaffen – aber das stimmt nicht.Wichtig ist, Dinge auszuprobieren, oft zu fotografieren und tatsächlich einfach anzufangen. Mein Anspruch an Licht war immer, schlichtes, natürlich wirkendes Licht zu schaffen.
Genau das versuche ich auch in meinem Lehrstil zu vermitteln.
Mit einem Licht und besonders mit zwei kannst du wirklich beeindruckende Bilder schaffen.
Ich empfehle immer wieder dasselbe ELB 500 für alles, weil es im Studio und on location vielseitig ist und es leicht macht, natürliches Licht nachzuahmen oder zu verstärken.
Mit der Zeit habe ich gelernt, dass ich eine besondere Art habe, Licht zu sehen; deshalb habe ich gemeinsam mit Sue Bryce The Lighting Series entwickelt und später The Location Series, weil die Menschen daran interessiert waren. Mittlerweile haben wir fast 13.000 Teilnehmer in The Lighting Series, und meine Facebook-Community „Lighting with Felix Kunze“ hat gerade die Marke von 28.500 Mitgliedern überschritten. Es war in den letzten Jahren eine große Freude, das Gefühl zu haben, dass wir die Fotografie insgesamt besser machen.
The Lighting Series ist zu einem der bestbewerteten Fotokurse überhaupt geworden, aber noch wichtiger ist, dass ich ständig Geschichten von Menschen höre, die den Kurs gemacht und genau das erreicht haben, worum es ging: Studiolicht wie natürliches Licht aussehen zu lassen.
Es ist ein großartiges Gefühl, anderen beibringen zu können, wie ich Licht sehe.
Fotografie ist für mich etwas Besonderes, weil sie eine einmalige Möglichkeit bietet, Zugang zu den unterschiedlichsten Bereichen, Berufen und Spezialisierungen zu bekommen, mit denen ich sonst nie in Berührung gekommen wäre. Zum Beispiel durfte ich durch meine Arbeit mit dem Explorers Club eine Woche mit den führenden Ägyptologen der Welt verbringen und sie bei ihrer Feldarbeit begleiten. Ich durfte auch drei Wochen in der westlichen Mongolei Geologen bei ihrer Arbeit fotografieren. Durch diesen Zugang kann ich zwischen verschiedenen Branchen springen und kleine Stücke der Welt kennenlernen. Ich liebe die Vielfalt, die mir das als Mensch und als Fotograf gibt. Mir fällt keine andere Branche ein, in der man dieses Privileg hat.
Wenn du anfängst, denkst du, deine größte Herausforderung sei Licht oder Kameras oder sogar Posing – aber all das wirst du überwinden. Du kannst The Lighting Series anschauen, Posing lernen und dir die beste Ausrüstung kaufen.
Aber dein lebenslanger Kampf wird darin bestehen, Zugang zu den richtigen Motiven zu bekommen: Zugang zu einem Bereich oder Thema, das dich interessiert oder inspiriert. Für mich lag der Fokus darauf, diejenigen zu fotografieren, die an der Spitze des menschlichen Fortschritts, der Entdeckung und des wissenschaftlichen Verständnisses unserer Welt stehen.
Deshalb glaube ich, dass Zugang die größte Herausforderung für Fotografen ist. Du weißt, dass du es als Fotograf wirklich geschafft hast, wenn sich dein Fokus von den technischen Herausforderungen hin zur Herausforderung verschiebt, deine Motive auszuwählen.
Für Fotografen am Anfang ist es wichtig, sich zu erinnern, dass heute alle Ressourcen existieren, um sehr schnell sehr gut zu werden – das war nicht so, als ich anfing. Wenn du Licht lernen willst, bringt dich The Lighting Series dorthin, du kannst dich auf Elinchrom-Ausrüstung verlassen und einige der besten Kameras kaufen, die es je gab. Dennoch wird der Zugang zu guten Motiven dein lebenslanger Kampf sein.
Also konzentriere dich darauf.
Was vor deiner Kamera ist, ist wichtiger als die Kamera, die Lichter oder die Einstellungen.Die Kamera steht nur im Weg. Denk daran.
Oder, wie ein Mentor von mir immer sagte: „Lebe ein gutes Leben und fotografiere die Menschen darin.“